5 klassische Alben, die Sie jetzt hören können

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5 klassische Alben, die Sie jetzt hören können

Ein einziges Jahr in Mozarts Karriere, ein Fokus auf Florence Price und eine neue Interpretation der Bigband-Musik gehören zu den jüngsten …


Ein einziges Jahr in Mozarts Karriere, ein Fokus auf Florence Price und eine neue Interpretation der Bigband-Musik gehören zu den jüngsten Veröffentlichungen.
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„Amerikaner“

Luzerner Sinfonieorchester; Paul Jacobs, Orgel; James Gaffigan, Dirigent (Harmonia Mundi)

Wie kühn es ist, ein Album „Americans. “ Und was zu liefern ist: ein Thema mit nahezu unendlichen Programmiermöglichkeiten und ein Konzept, das heutzutage intensiv geprüft wird, während sich klassische Musiker mit der Geschichte der Ausgrenzung der Vereinigten Staaten im Konzertsaal auseinandersetzen.

Es ist daher ein wenig seltsam, dass sich einige neuere Aufnahmeprojekte zwar auf Werke von übersehenen Komponisten konzentrierten, dieses jedoch Platz für zwei von Samuel Barber gemacht hat. Lassen Sie das jedoch nicht zu einem Deal-Breaker werden. Dieses Album des Luzerner Sinfonieorchesters, dirigiert mit einem brillanten Ohr für Details und Klarheit von James Gaffigan, beginnt mit einer harten Version von Leonard Bernsteins Symphonic Dances aus „West Side Story“, wird aber im Laufe der Zeit immer besser und endet mit zwei seltenen Edelsteinen. Davor kommen Ives’ Dritte Symphonie – die Komplexität hinter ihrem Quilt aus Volksliedern und Tänzen hier sanft enthüllt – und Barbers frühe Ouvertüre zu „The School for Scandal“. ”

In Ruth Crawford Seegers Andante for Strings, adaptiert aus ihrem Streichquartett – komponiert zu Beginn der 1930er Jahre wie Barbers Ouvertüre, aber dennoch von ganzem Herzen modernistisch, gibt es einen plötzlichen Aufbruch. Es ist der Höhepunkt des Albums, aufmerksamkeitsstark und prismatisch, ein langsames Brennen dichter Kontrapunkte. Noch verwirrender ist ein Finale in Form von Barbers „Toccata Festiva“, einem konzertähnlichen Ungetüm mit einem elektrisierenden Paul Jacobs an der Orgel. Zusammen bilden diese beiden Stücke einen fantastischen Abschluss eines Programms, das von Anfang an mehr von ihrem eigenwilligen Geist hätte gebrauchen können. JOSHUA BARONE

„Kühner Geist“

Jihye-Lee-Orchester (Motéma)

Als Jihye Lee 2011 am Berklee College of Music ankam, war sie Sängerin. Aber sie hatte auch Lust zu schreiben. Sie ergriff die Chance, Jazzkomposition auszuprobieren, obwohl sie keinen tiefen Hintergrund in diesem Genre hatte.

Diesen Hintergrund erlangte sie schnell. Und fand auch schnell einen Weg, ihre Stimme der Jazz-Linie hinzuzufügen, veröffentlichte 2017 ihr Debütalbum und gewann 2018 den jährlichen Charlie Parker Composition Prize der BMI Foundation. Während Lees zweites Album als Komponist und Bandleader, „Daring Mind“, ist eindeutig inspiriert von anderen progressiven Bigband-Komponisten wie Maria Schneider und Darcy James Argue (der diese Platte produziert hat), hat sie ihren eigenen Stil. Ihre knackigen Arrangements balancieren frenetische Virtuosität mit einer übergreifenden nachdenklichen Stimmung.

Auf „Relentless Mind“ sickern Spuren minimalistischer Ideen durch, während sich melodische Muster über swingende Riffs ausdehnen und zusammenziehen. Doch dieses Stück bleibt hinter der nervösen Angst stehen, die oft mit Minimalismus in Verbindung gebracht wird. Lee zeigt keine Anzeichen von Zögern, ihren Platz in der Tradition einzunehmen; die souveräne Strebe von „Daring Mind“ erinnert an eine Definition von Jazz, die einst von Wayne Shorter formuliert wurde: „I dare you. „SETH COLTER WÄNDE

‘Fantasie Nègre: The Piano Music of Florence Price‘

Samantha Ege, Klavier (Lorelt)

Die Wiederbelebung des Florenz-Preises geht weiter. Erst in den letzten Wochen gab das Philadelphia Orchestra bekannt, dass es unter Yannick Nézet-Séguin die Sinfonien von Price aufnehmen werde; das Kaleidoscope Chamber Collective veröffentlichte eine wunderschöne Erstaufnahme ihres Klavierquintetts in a-Moll über Chandos; und die Musikwissenschaftler Douglas W. Shadle und Samantha Ege gaben bekannt, dass sie eine Biographie dieses lange übersehenen Komponisten schreiben.

Ein Großteil dieser neuen Prominenz ist auf die Arbeit einer Gemeinschaft von Wissenschaftlern und Künstlern wie Ege zurückzuführen, deren neues Album zu neun Zehntel auf Manuskripten basiert, die 2009 aus Price’ ehemaligem Sommerhaus gerettet wurden. Hier gibt es faszinierende Miniaturen, darunter eine Reihe von „Snapshots“, das 1953 kurz vor Price’ Tod geschrieben wurde, konzentriert sich jedoch auf vier Stücke namens „Fantasie Nègre“ aus den Jahren 1929-33.

Lose Variationen über Spirituals und ähnliche Melodien in Prices spätromantischer Sprache – eine mit pentatonischen Tonleitern parfümiert und mit einem wimmelnden Formgefühl angereichert – das sind riesige Werke. Besonders die vierte, die Price an einer Stelle als „Aus dem Schmelztiegel“ bezeichnete – eine Anspielung, schreibt Ege, an „ihre eigenen Triumphe über Widrigkeiten. “ Triumphiert in der Tat, und wenn man sich jetzt vorstellen kann, dass etwas von dieser Musik mit einem Schuss mehr Flair gespielt wird, ist das ein Beweis dafür, wie Ege dieser Musik das Leben gegeben hat, das sie mehr als verdient. DAVID ALLEN

„Melancholische Gnade“

Jean Rondeau, Cembalo und polygonales Virginal (Erato)

Wie auf seinem letzten Album „Barricades“ verweilt der Cembalist Jean Rondeau bei den ersten Tönen seiner neuen Veröffentlichung „Melancholy Grace“, wie eine Achterbahn, die langsamer wird, wenn sie den Höhepunkt erreicht, bevor sie zum ersten Mal eintaucht. Und dann geht es los – obwohl dies nicht der überstürzte französische Barock-Schiller von „Barricades“ ist, sondern gefühlvolle, oft nüchterne italienische und englische Stücke des 16. und 17. Jahrhunderts.

Die Stimmung ist melancholisch, ja, aber kaum bedrückend; Rondeaus Anschlag und Tempo sind so vielfältig, dass selbst dieses Programm mit weitreichend verwandten Werken ein ganzes Klanguniversum zu umfassen scheint. Mit außergewöhnlich großzügigen 80 Minuten Musik wechselt er Sets zwischen einem prächtigen metallischen Cembalo und einem polygonalen Virginal oder Arpicordo aus dem 16. Jahrhundert, das sowohl einen weicheren, milchigeren Ton als auch einen ausgeprägteren Klick-Zupf hat. (Es ist unwiderstehlich.)

Einige der Komponisten sind unbekannt, obwohl Sie sich an Luigi Rossi erinnern werden, nachdem Sie das satte Geklimper der hier gezeigten Passacaglia gehört haben, und an Antonio Valente für ein sanft trauriges Stück. Rondeau eröffnet die Aufnahme mit einer Frescobaldi-Toccata und stellt zwei weitere in den Mittelpunkt – die erste imposant prachtvoll, die zweite üppig und einsam, ein Kind, das in einem leeren Schloss spielt. Melancholie heißt hier nicht nur langsam; Rondeau entfesselt ein brennendes Feuerwerk in einem fieberhaften Giovanni Picchi-Tanz, auf dem er im Laufe dieses wunderbaren Albums noch zweimal rifft. ZACHARY WOOLFE

‘Mozart-Momentum: 1785‘

Mahler Kammerorchester; Leif Ove Andsnes, Klavier und Dirigent (Sony Classical)

Der hervorragende Pianist Leif Ove Andsnes betrachtet 1785 als ein entscheidendes Jahr in Mozarts Karriere, was sich insbesondere in Werken für Klavier widerspiegelt. Andsnes hat dafür ein Album veröffentlicht, das sich auf dieses Jahr konzentriert – darunter drei Konzerte mit dem Mahler Chamber Orchestra, das er auch dirigiert.

Wie Andsnes in den Liner Notes erklärt, sieht er zwei scheinbar gegensätzliche Konzerte – das dunkle, turbulente Nr. 20 in d-Moll und das sonnige, heitere Nr. 21 in C – als Partner, die beide in das Konzertgenre eintauchen und Experimentieren mit den Beziehungen zwischen Solist und Orchester. Er spielt beides mit Eleganz, Klarheit und Liebe zum Detail.

Besonders angetan hat mich seine großartige Darstellung des weniger oft gehörten Konzerts Nr. 22 in Es-Dur. Andsnes geht den raffinierten, komplizierten ersten Satz zurückhaltend, fast fragend an und lässt jede Note in einer funkelnden Darbietung des animierten Finales wichtig werden. Das Album enthält das Klavierquartett Nr. 1 g-Moll (mit drei Spielern aus dem Mahler-Orchester), die „Freimaurer-Trauermusik“ und die Fantasie c-Moll für Klavier solo – alles wunderbar gespielt. ANTHONY TOMMASINI

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