Beziehungen

August Wilson, amerikanischer Barde

IN DEN HÖLZERN von Barnesville, Georgia, rennen zwei schwarze Männer, die in der Dämmerung kaum sichtbar sind. In der Ferne zwitschern Grillen, in der Ferne bellen Hunde und sofort die dringenden Hosen ihres Atems. Dies scheint ein vertrauter Horror zu sein, aber die Männer werden nicht verfolgt. Sie gehen auf ein Zelt zu. Im Inneren lockt Ma Rainey – gespielt von Viola Davis, ihre Lippen burgunderrot bemalt, die Augenlider mit schwarzen, mit Wangen befleckten Merlots geraucht – das Publikum in einem königsblauen Kleid. “Papa, Papa, bitte komm zu mir nach Hause”, singt sie und schimmert in der Hitze.

“Immer wenn du zwei Schwarze im Süden laufen siehst, denkst du, der Klan ist irgendwo, aber nein, sie rennen nicht von etwas. Sie rennen bis etwas – für diese Frau, deren Stimme ihre Geschichte erzählt “, sagt George C. Wolfe, der Regisseur von„ Ma Raineys Black Bottom “, der Netflix-Filmversion von August Wilsons geliebtem Stück, das diesen Monat debütiert. Die Szene scheint für die Eröffnung einer Wilson-Adaption angemessen zu sein: Als einer der bekanntesten schwarzen Dramatiker Amerikas erzählte er mehr als drei Jahrzehnte lang mit Stolz und Elan die Geschichte von Black America, mit einer Sprache, die wie Ma’s Stimme in diesem Zelt winkte.

Das Stück, das 1984 im Yale Repertory Theatre in New Haven, Connecticut, uraufgeführt wurde, ist eine fiktive Darstellung einer berühmten Blues-Sängerin, Gertrude (Ma) Rainey, die in den 1920er Jahren mit ihrer Band in Chicago ist, um eine aufzunehmen wenige Lieder. Ma’s Musiker proben in einem Hinterzimmer oder sprechen zumindest über Proben: Es gibt den vernünftigen Cutler (gespielt im Film von Colman Domingo), den Nachzügler Slow Drag (Michael Potts), den nachdenklichen Toledo (Glynn Turman) und Levee (Chadwick Boseman) , der im August in seiner letzten Filmrolle starb), ein junger und ungestümer Trompeter mit einer Idee, was ein neuer Sound sein könnte. Ma ist im Widerspruch zu Levee, ebenso wie zu ihrem kontrollierenden weißen Agenten und dem weißen Studiobesitzer, von denen sie beide weiß, dass sie sie ausbeuten. Das ist der Konflikt, aber ein großer Teil des Vergnügens des Stücks ist sein Dialog: Die Charaktere schwatzen, scherzen und streiten. Dementsprechend ist der Kern der Show Ma’s Stimme – nicht nur ihr heiseres Murmeln, sondern auch der Klang einer schwarzen Künstlerin, die ihre Geschichte für und für ihre Gemeinde singt. “Weiße Leute verstehen den Blues nicht. Sie hören es herauskommen, aber sie wissen nicht, wie es dort hingekommen ist “, sagt Ma im Stück. “Sie verstehen nicht, wie das Leben spricht. ”

Viola Davis als Ma Rainey in der 2020 Netflix-Verfilmung von August Wilsons Stück. Gutschrift Gutschrift. . . Netflix

Obwohl das Stück für sich allein schon würdig ist, ist es nur ein Zehntel des monumentalen Projekts, das Wilsons Karriere definiert hat. Mit „Jitney“, einer Geschichte über eine Gruppe von Taxifahrern aus den 70er Jahren, die er 1979 schrieb, begann er seinen Pittsburgh Cycle (auch bekannt als American Century Cycle): einen Dekalog über das schwarze Leben, einen für jedes Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts Alle – mit Ausnahme von „Ma Rainey“ – spielten in seiner Heimatstadt in Pennsylvania, wo er 1945 geboren wurde. Er vollendete die Stücke in chronologischer Reihenfolge, da er zunächst keine Serie erstellen wollte, aber dennoch eine Geschichte fand und Zeichen für jedes Jahrzehnt. Und er schrieb bis zum Ende: Im Jahr 2005, dem Jahr seines Todes an Krebs im Alter von 60 Jahren, beendete er das letzte, „Radio Golf“, über weiße Übergriffe und lokale Politik in den 1990er Jahren. Zusätzlich zu diesen 10 Dramen schrieb er sechs weitere, aber es war der Zyklus, der sein Erbe als einer der wichtigsten Dramatiker des Landes festigte, eine wesentliche Figur nicht nur im schwarzen Theater, sondern im gesamten amerikanischen Kanon. Zwei Wochen nach seinem Tod wurde das Virginia Theatre am Broadway zu seinen Ehren umbenannt.

Das liegt daran, dass Wilson während seines Lebens die amerikanische Bühne verändert hatte, die bis zu seiner Ankunft weitgehend als das fast ausschließliche Reich weißer männlicher Schriftsteller wie Arthur Miller, Tennessee Williams und Eugene O’Neill gedacht war, die alle die Grenzen erkundeten und Misserfolge des amerikanischen Traums. Aber wo sich ihre häuslichen Dramen mit einer streng klassenbasierten, von Gatsby beeinflussten Version des Bootstrapismus befassen, bieten Wilsons Stücke eine komplexere Vision desselben Traums: eine, die die Herausforderungen der sozialen Mobilität und ihre einzigartigen rassischen Grenzen widerspiegelt. Wilson erkennt an, dass der amerikanische Traum nicht der Traum der schwarzen Amerikaner ist und sein könnte, von denen jede Generation mit den Verletzungen lebt, die dieses Land ihnen zugefügt hat. Auf diese Weise brachte er eine offene, originelle Sicht der Nation auf die Bühne – eine, die sich Ende des letzten Jahrhunderts auch in Literatur, bildender Kunst und Aktivismus durchsetzte – über eine Mythologie, die Anfang des 20. Jahrhunderts mit Sklaverei begann frisch in den Köpfen seiner Charaktere und endete in den 1990er Jahren, als schwarze Viertel versuchten, sich unter der Gefahr der Gentrifizierung neu zu definieren.

Bei der Katalogisierung des schwarzen Alltags bewegte er das Theater jenseits von Stereotypen oder zweidimensionalen Skizzen der Schwärze, die aus dem Bereich des Weiß positioniert waren. Seine Figuren kollidieren mit den Erwartungen des weißen Amerikas, aber sie kollidieren auch miteinander, was an sich radikal humanisierend ist – um gewöhnliche schwarze Charaktere mit unterschiedlichen Ansichten und Dispositionen zu haben, anstatt eine monolithische Erfahrung zu teilen – in einer Zeit, in der es nur wenige solcher Geschichten gab ihren Weg zum Broadway. Wilson schenkte dem schwarzen Publikum aber auch ein anderes Geschenk: eine Überprüfung der Zeit, gemessen am und am Leben der Afroamerikaner, die es leben. Er zeichnete nicht nur ein Jahrhundert auf, sondern auch die Vergangenheit und Zukunft eines Volkes, dargestellt durch die Erinnerungen, Trauer, Hoffnungen, Gedanken und Träume seiner Figuren. Und er begrüßte schwarze Dramatiker, Regisseure, Schauspieler und Produzenten, die dieser Vorlage folgen und von ihr abweichen sollten.

Prominente schwarze Schauspieler sind oft in Wilsons Stücken aufgetreten, darunter Lou Myers, Rocky Carroll, Samuel L. Jackson und Carl Gordon bei der Weltpremiere von “The Piano Lesson” 1987 im Yale Repertory Theatre. Gutschrift. . . © Gerry Goodstein

Der Chef unter ihnen ist vielleicht der 65-jährige Schauspieler Denzel Washington, Produzent des neuen Films „Ma Rainey“ und einer der führenden Befürworter des Dramatikers. Im Jahr 2010 gewann Washington einen Tony Award für seine Darstellung des Protagonisten, eines Sanitärarbeiters aus den 1950er Jahren namens Troy Maxson, bei der Broadway-Wiederaufnahme von Wilsons am meisten gelobter Arbeit “Fences” (1985). Im Jahr 2014 wandte sich das Wilson-Anwesen unter der Leitung der Witwe des Dramatikers, Constanza Romero (62), an den Schauspieler, um den gesamten Pittsburgh Cycle an den Film anzupassen, beginnend mit der 2016er-Filmversion von „Fences“, in der Washington Regie führte, produzierte und die Hauptrolle spielte gegenüber Davis, der einen Oscar für ihre Rolle als Maxsons bedrängte Frau Rose gewann.

Washington sieht seine Verantwortung sowohl als Hollywood-Konnektor als auch als Wilson-Verwalter. Er überzeugte Wolfe, 66, den renommierten Theaterregisseur, den neuen Film zu leiten; und arbeitete dann mit Romero zusammen, um seinen Freund Samuel L. Jackson und seinen Sohn John David Washington für den nächsten Wilson-Film zu engagieren, der auf der mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten „The Piano Lesson“ (1987) basiert, einer Saga über Geister aus den 1930er Jahren und ein Familienerbstück, das von Barry Jenkins beaufsichtigt wird. Für den Rest des Zyklus, der in den folgenden Jahren außer Betrieb sein wird, “kreisen” Regisseure und Schauspieler wie Ryan Coogler, Ava DuVernay und Laurence Fishburne, sagt Washington. In diesem Herbst verglich er dieses Unternehmen telefonisch mit einem Staffellauf und gab den Staffelstab weiter in der Hoffnung, ein neues Publikum für die Klassiker zu gewinnen, die Wilson zurückgelassen hatte. “Herr weiß, dass er sie nicht mitnehmen konnte”, sagt Washington. „Und Gott sei Dank hat er sie verlassen. Jetzt haben sie sie in meinen Händen gelassen und ich habe sie in die Hände anderer Leute gelegt. ”

DAVIS, 55, STILL erinnert sich an eine frühe Begegnung mit der Figur Ma Rainey: Sie war in den 1980er Jahren Theaterstudentin am Rhode Island College, als sie eines Abends die Bühne und Fernsehschauspielerin Barbara Meek in einer lokalen Produktion sah. “Das, was mich umgehauen hat, war, wie entschuldigungslos sie war – ohne zu schreien, ohne zu schreien, ohne irgendetwas davon zu tun – nur um ihren Wert zu steuern”, erinnert sich Davis. „Ich habe noch nie so viel Entscheidungsfreiheit und Autonomie gesehen. ”

Ma ist eine herausragende Rolle, selbst im Kontext von Wilsons Werken, die mit selbstbewussten schwarzen Charakteren bevölkert sind, die entweder ihre Macht in einem System suchen oder erklären, das sie leugnen würde: die versuchen, bei der Arbeit befördert zu werden, die versuchen, Plattenläden zu eröffnen und Restaurants, die sich vor weißen Gleichaltrigen flehen, um weiterzukommen, die sich gegen dieselben weißen Gleichaltrigen wehren oder sogar über andere Schwarze treten, um voranzukommen. Dennoch fällt Ma auch aus einem anderen Grund auf: Wilsons Stücke werden oft von Männern regiert, egal ob sie nach Bargeld suchen oder in Geschäften hängen. Und Ma ist nicht nur eine schwarze Frau im Zentrum ihrer Geschichte, sondern eine seltsame, eine Identität, die sonst in Wilsons Oeuvre fehlt. Selten stehen schwule schwarze Frauen im Rampenlicht, schon gar nicht Mitte der 1980er Jahre, als das Stück in New York ankam. Noch in den 1920er Jahren, als die echte Ma – und ihr Schützling, die Blues-Sängerin Bessie Smith – Teil einer Crew von queeren schwarzen Künstlerinnen war. (Ma’s Texte bezogen sich oft auf ihre Anziehungskraft auf Frauen, wie in „Prove It on Me Blues“ [1928]: „Ich bin letzte Nacht mit einer Menge meiner Freunde ausgegangen. / Es müssen Frauen gewesen sein, weil ich es nicht mag keine Männer. “) In der Kinofassung hat Ma eine Frau in ihrem Gefolge, Dussie Mae, mit der sie flirtet und von der sie besitzergreifend wird, obwohl sie nie laut von Sexualität spricht: eine bemerkenswerte Auslassung für eine im Schwarzen verwurzelte Figur Gemeinschaft, in der die Seltsamkeit historisch gesehen marginalisiert und stigmatisiert wurde und oft noch ist.

Der Spielzettel für die Broadway-Wiederaufnahme von „Fences. ” Gutschrift. . . Mit Genehmigung verwendet. Alle Rechte vorbehalten, Playbill Inc.
Der Playbill für die New Yorker Premiere von „Jitney“ 2000 am Broadway. Gutschrift. . . Mit Genehmigung verwendet. Alle Rechte vorbehalten, Playbill Inc.

Trotz und wegen dieser Abwesenheiten, die heute deutlicher erscheinen, fühlt sich Wilsons Arbeit so vertraut an wie ein Gartengrill oder ein Familienessen nach der Kirche. Seine Stücke vereinen sich durch ihre Sinnlichkeit, von den Klängen des Singens bis zum Geruch von Bohnen und Brot in einer Küche. In einer Szene in „Radio Golf“ unterbricht ein Charakter einen anderen mit einer Nicht-Sequenzierung über Brotpudding („Ich habe etwas für Sie“, sagt einer mit Bezug auf einen Scheck, und der andere antwortet: „Es ist kein Brotpudding Ich habe gerade über Brotpudding nachgedacht “). Wilson hat einmal gesagt, dass der Brotpudding eine wesentliche Eigenschaft seiner Arbeit darstellt – ein wohlschmeckender Exkurs: „Der Brotpudding ist nicht Teil der traditionellen Struktur des Stücks, sondern Teil der Struktur dieser besonderen Gemeinschaft. Er nannte den Brotpudding einen Eingriff in die Geschichte, bei dem sich die Identität seiner Charaktere in der Handlung durchsetzt – oder in deren Fehlen. In einer anderen Szene im selben Stück erinnert sich der Protagonist, ein gut ausgebildeter Immobilienentwickler namens Harmond Wilks, an das erste Mal, als er die Frau traf, die seine Frau werden würde: „Es regnete. Ich dachte, sie würde schmelzen. Der Regen scheint sie zu verletzen. Als ob die beiden nicht zusammen passen sollten. Sie konnten sie nicht verwechseln. “Die Folge von einfachen Sätzen und Fragmenten reproduziert die stückweise Wiedergabe der Erinnerung durch die Figur und erzeugt den gleichen Effekt für das Publikum: zuerst den Regen, dann sie. Die Lücken in der Erzählung – diese hartnäckigen Perioden, die jede Aussage so stakkato machen – erzeugen einen Rhythmus, der einen langsamen, stetigen Sturm nachahmt. Innerhalb weniger Sekunden präsentiert uns Wilson eine Szene, die nicht nur dem Bild dient, sondern es spricht.

ROMERO VERWENDET HÄUFIG das Wort „kompromisslos“, wenn es um ihren Ehemann geht. “Eine seiner Hauptsprüche war:” Etwas ist nicht immer besser als nichts “, weil er lieber nichts als etwas nehmen würde, das kompromittiert wurde”, sagt sie. „Viele seiner Charaktere sind so. Als Wilson ein Kind in Pittsburgh war, gewann seine Mutter eine dringend benötigte Waschmaschine in einem Wettbewerb, aber als die Preisgeber herausfanden, dass sie schwarz war, boten sie ihr stattdessen eine gebrauchte Maschine an. Daisy Wilson, eine Hausfrau, weigerte sich, es zu nehmen: Etwas ist nicht immer besser als nichts. “Meine Mutter hat mich glauben lassen, dass ich alles tun kann”, wird Wilson in der Einleitung zu einer Anthologie von 2007 zitiert. „Ich habe mich als großartige Person gesehen. Ich habe die Bilder von Richard Wright und Langston Hughes gesehen – alle hatten immer einen Anzug an. Ich dachte: “Ja, das bin ich. Ich möchte so sein. “Sein Spitzname als Teenager war Napoleon, eine Figur, an der der Dramatiker interessiert war, weil er ein” selbst gemachter Kaiser “war. “(Wilson brach die High School 1960 ab, nachdem ein Lehrer ihn beschuldigt hatte, ein Papier über den französischen Militärführer plagiiert zu haben.)

Viola Davis und Denzel Washington bei der Broadway-Wiederaufnahme von „Fences. ” Gutschrift. . . Sara Krulwich / Die New York Times

Als Erwachsener war Wilson für seine Freundlichkeit und Großzügigkeit bekannt; Obwohl er selbstbewusst war, war er nicht selbst wichtig. Aber er war auch kein Schwächling: Der Schauspieler und Dramatiker Ruben Santiago-Hudson, ein langjähriger Freund und Mitarbeiter, sagt, seine Freundschaft mit dem Schriftsteller sei geprägt von langen, intensiven Gesprächen, aber auch vielen Argumenten. 1996 machte Wilson in der Theatergemeinschaft auf sich aufmerksam, indem er eine Rede mit dem Titel „Der Boden, auf dem ich stehe“ hielt, in der er sich für mehr Kunst aus Schwarz und Theater in Schwarzbesitz einsetzte, anstatt für damals modische Maßnahmen wie farbenblindes Casting. Es folgten eine Reihe von Auseinandersetzungen zwischen Wilson und dem weißen Theaterkritiker Robert Brustein, die 1997 in einer Live-Debatte im New Yorker Rathaus gipfelten, die von der Schauspielerin und Dramatikerin Anna Deavere Smith moderiert wurde.

Ähnlich kompromisslos waren seine Drehbücher: “Er hat nicht so geschrieben, wie die Leute dachten, man sollte Theaterstücke schreiben”, sagt Santiago-Hudson, 64, der “Ma Rainey” für den Bildschirm adaptierte. “Als er schrieb, sprach er über Rhythmus, also musste ich das Lied August und der Reise der Afroamerikaner vertraut machen. Seine stilistische und philosophische Vorgängerin war Lorraine Hansberry, deren “Eine Rosine in der Sonne” von 1959 über eine arme schwarze Familie, die auf ein besseres Leben in Chicago in der Mitte des Jahrhunderts hoffte, sie zur ersten schwarzen Dramatikerin machte, die am Broadway produziert wurde ( Lloyd Richards, der Regie führte, war der erste schwarze Regisseur, der ein Broadway-Drama inszenierte. Wilson erweiterte Hansberrys Vermächtnis und widmete sich einer Arbeit über das Leben alltäglicher Schwarzer. Auf diese Weise schuf er ein Theater, in dem Blackness nicht mehr als Zeichen, sondern als Norm bezeichnet wurde und in dem zur Abwechslung zur Abwechslung Weiß am Rande der Geschichte existierte. Ebenso wichtig war seine Betonung auf normale Schwarze – seine Charaktere waren nicht als Symbole gedacht, die besten oder schlechtesten einer Rasse: Sie waren durchschnittlich und dafür nicht weniger faszinierend.

Bevor Wilson Dramatiker wurde, strebte er danach, Dichter zu werden, und seine frühen Werke zeigten Charaktere, die in stark stilisierten Texten sprachen, im Gegensatz zu dem beiläufigen, einheimischen Dialog, den er heute gefeiert hat. Zuerst “erkannte er die Poesie in der Alltagssprache von Black America nicht”, gab er 1999 in einem Interview mit Paris Review zu. „Ich dachte, ich müsste es ändern, um Kunst zu schaffen. Schließlich fand Wilson die Majestät in der Umgangssprache Schwarz, die den gleichen hartnäckigen Sinn für Würde hatte wie seine Strukturen und Charaktere. In der Tat ist ihre Sprache eine der zentralen Arten, wie Wilsons Charaktere ihre Stationen im Leben verkörpern, was nicht von der Diktion, Grammatik und Syntax, die sie miteinander verwenden, getrennt werden kann. Sogar jetzt gibt es das Stigma des urbanen schwarzen Dialekts, das eine Bastardisierung des „richtigen“ Englisch ist, obwohl „schwarzes“ Englisch oft von Nicht-Schwarzen als eine Form des Sozialkapitals angeeignet wird. Wilson sprach sich für die Vorzüge dieser Sprache zu seinen eigenen Bedingungen aus.

Phylicia Rashad als Tante Ester und Anthony Chisholm als Solly Two Kings in August Wilsons 2004er Stück “Gem of the Ocean” im Walter Kerr Theatre in New York. Gutschrift. . . Sara Krulwich / Die New York Times

Betrachten Sie einen seiner Unterschriften: “Apropos …”, da viele Zeichen normalerweise empört als Reaktion auf den Kommentar eines anderen Zeichens beginnen. Das Thema wird fallen gelassen, und das Verb trägt fast die Kleidung eines Gerundiums – „Sprechen“ als Substantiv, seine eigene Einheit, unabhängig vom Sprecher. Durch diese einfache Wendung der Syntax werden Gespräche – Gerüchte, Behauptungen – als das Herzstück dieser Stücke und als Mittel definiert, mit denen Wilson die Ausdauer und Bedeutung von Blackness in Amerika definiert. Mit diesen Umgangssprachen vermischt sind lange Arien, die das naturalistische Hin und Her unterbrechen; Charaktere gehen in langwierige Monologe über, in denen sie Gefühle und Visionen in lockerer Prosa beschreiben. “Ich studiere dich nicht”, sagt ein Charakter abweisend zu einem anderen, aber diese Zahlen tun studieren einander, und wir tun das gleiche.

Wie klingt der würdige Schwarze? Die polierte Haltung von Sidney Poitier? Die gewagte Rede von Muhammad Ali? Der Evangeliumsgewitter von Martin Luther King Jr.? Oder vielleicht die feurige, gladiatorische Rhetorik von Malcolm X? Er ist ein Vorbild, jemand, auf den man in einer Kultur achten muss, die schwarze Errungenschaften aktiv niederreißt und die schwarze Geschichte und das schwarze Leben missachtet.

“Es ist fast revolutionär, was er getan hat … für die schwarze Gemeinschaft selbst, weil er uns zu Königen und Königinnen gemacht hat”, sagt die Schauspielerin Viola Davis.

Wilsons Werke sind voll von Erwähnungen großer schwarzer Figuren seiner Zeit: des Boxers Joe Louis, des Schlägers Jackie Robinson, des Aktivisten Marcus Garvey. Sie werden immer als Beispiele verwendet, Vertreter einer Größe, von der die Charaktere wissen, dass sie sie selbst niemals erreichen werden. Wilsons Protagonisten verbringen einen Großteil ihrer Zeit damit, sich zu fragen, wie sie ihr Leben mit Selbstachtung und Status leben sollen: Viele schauen auf Profisportarten, die den schwarzen männlichen Körper historisch sowohl fetischisiert als auch ausgebeutet haben. (In „Fences“ beklagt Troy Maxson, der Müllmann mittleren Alters, die Karriere, die er im Baseball hätte machen können.) Schwarze Väter und Söhne sehen sich in ihren Reaktionen auf die Bedrohungen des weißen Amerikas einer Generationsunterschiede gegenüber: Nüchterne Einwilligung oder stolzer Kampf zurück? Und schwarze Ehemänner und Freunde markieren ihren Status durch die schwarzen Frauen um sie herum, ob sie sie „behalten“ und gut behandeln können. (In Wilsons Arbeit liegt die Würde einer schwarzen Frau fast immer in ihrer Fähigkeit und Bereitschaft, bei ihrem Mann zu bleiben oder sich unabhängig von ihm zu definieren. Ma Rainey ist natürlich der Ausreißer.)

Für jede berühmte schwarze Figur in Wilsons Stücken gab es einen renommierten schwarzen Schauspieler, der diesen Charakter zum Leben erweckte. Anthony Chisholm, ein Freund des Dramatikers, der im Oktober im Alter von 77 Jahren starb, war vielleicht am bekanntesten für seine Auftritte in vier Broadway-Produktionen aus dem Zyklus: “Two Trains Running” (1992), “Gem of the Ocean” (2004) , “Radio Golf” (2007) und “Jitney” (2017). Der 64-jährige Schauspieler und Regisseur Kenny Leon, der Wilson zu Beginn seiner Karriere während eines Regiestipendiums kennengelernt hatte, spielte in der Weltpremiere von „Gem of the Ocean“ über einen jungen Schwarzen, der Erlösung sucht seine spirituelle Matriarchin Tante Esther, 2003 am Goodman Theatre in Chicago. Im folgenden Jahr leitete Leon die Broadway-Produktion des Stücks mit Phylicia Rashad und dann Washington und Davis in „Fences“ auf der Bühne, bevor er Wilson half, „Radio Golf“ zu beenden. In der Tat kann es scheinen, dass alle prominenten schwarzen Schauspieler Amerikas irgendwann in ihrer Karriere Wilsons Linien gesprochen haben: Angela Bassett in der Originalproduktion von „Joe Turners Come and Gone“ (1986), Samuel L. Jackson in den Originalproduktionen von “The Piano Lesson” (1987) und “Two Trains Running” (1990), James Earl Jones und Courtney B. Vance in der Originalproduktion von “Fences” (1985). So wie Shakespeare für viele Schauspieler, einschließlich der oben genannten, als Übergangsritus dient, stellt eine Aufführung in einem Wilson-Stück oft eine erhebliche Karrierechance dar. Alle 10 Stücke des Zyklus wurden am Broadway produziert – eine bemerkenswerte Leistung für einen Dramatiker jeder Rasse – und Wilson hat sich zum Fahnenträger des schwarzen amerikanischen Theaters entwickelt, dessen Sichtbarkeit von keinem übertroffen wird seinen Kollegen.

Der Playbill für das Broadway-Revival 2009 von „Joe Turners Come and Gone. ” Gutschrift. . . Mit Genehmigung verwendet. Alle Rechte vorbehalten, Playbill Inc.
Der Playbill für die ursprüngliche Broadway-Produktion von „Seven Guitars. ” Gutschrift. . . Mit Genehmigung verwendet. Alle Rechte vorbehalten, Playbill Inc.

“Es ist fast revolutionär, was er getan hat … für die schwarze Gemeinschaft selbst, weil er uns zu Königen und Königinnen gemacht hat”, sagt Davis. (Manchmal wörtlich: In „King Hedley II“, der Broadway-Produktion von 2001, für die die Schauspielerin einen Tony gewann, heißt die Hauptfigur, ein Ex-Betrüger in den 1980er Jahren, King und erklärt, dass er nur mit seinem königlichen Namen angesprochen wird. ) Nur schwarzen Schauspielern zu erlauben, frei und ausführlich in einer Sprache zu sprechen, die sie nicht zu Tropen oder Folien für weiße Schauspieler macht, bestätigt ihre Präsenz und ihre Stimme und erkennt das Prestige in beiden.

Und dann gibt es die Lieder des Stücks, die Texte, die geteilt und als Bindeglied zwischen den Generationen weitergegeben werden, wie Maxsons Klage in “Fences” über einen alten Hund namens Blue. “Es gibt einen Rhythmus, der in unserer Seele liegt”, sagt Washington. “Musik in meiner DNA, die durch Sklaverei zurückgeht. Diese Schärfe zeigt sich auch in dem Dokumentarfilm „Giving Voice“, der ebenfalls diesen Monat auf Netflix Premiere hat und einer Gruppe amerikanischer Highschool-Schüler folgt, die am jährlichen August Wilson-Monologwettbewerb teilnehmen, für den Finalisten bereits im 13. Jahr reisen nach New York City und treten auf der Bühne im August Wilson Theatre auf. Die Motivation hinter dem Wettbewerb besteht darin, Kinder kreativen Möglichkeiten auszusetzen und die Jugendlichen mit den Stücken selbst zu inspirieren. “Sie wussten nicht, dass der Jahrhundertzyklus für sie da war”, sagt Fernando Villena, der Co-Regisseur des Films mit James D. Stern.

WENN ZEITGENÖSSISCH Schwarze Dramatiker über den Pittsburgh-Zyklus sprechen, verwenden sie oft eine ähnliche Sprache. Wilson, sagten mir mehrere, “befreite” sie und erweiterte das Feld für andere schwarze Künstler, um schwarze Geschichten in größerem Maßstab zu erfinden. Die 42-jährige Dramatikerin Dominique Morisseau, die ihren eigenen Zyklus von Stücken über das städtische Leben in ihrer Heimatstadt Detroit abschließt, sagt, Wilsons Stücke hätten sie gelehrt, den dominanten weißen Blick des Theaters zu ignorieren. Der 50-jährige Dramatiker und Regisseur Robert O’Hara, der letztes Jahr Jeremy O. Harris ‘”Slave Play” am Broadway inszenierte, sagt, dass er nicht oft angesprochen wird, um Wilsons Stücke wiederzubeleben, weil sie normalerweise mit einem gerahmt sind Aura der „Kostbarkeit“ und inszeniert mit Blick auf den Hyperrealismus. Für ihn ignoriert dies die Magie und Vorstellungskraft des Zyklus, insbesondere die Mystik bestimmter Charaktere und die lebendige Kreation von Wilsons City of Bones, einer wiederkehrenden Metapher in den Stücken über die angestammten Gründe der schwarzen Amerikaner, deren Vorfahren über den Atlantik gehandelt wurden. Und als schwuler Schwarzer ist er von der konsequenten Heteronormativität des Zyklus beeinflusst: Daraus sagt er, dass er „die Abwesenheit von Seltsamkeit genommen hat, den Gesamtkonflikt, den die Erfahrung der Schwarzen auf der Bühne haben kann… und [die Idee], dass wir eine Vielfalt haben von Bedürfnissen und einer Vielzahl von Emotionen und Reaktionen. ”

L. Scott Caldwell und Angela Bassett in August Wilsons “Joe Turner’s Come and Gone” unter der Regie von Lloyd Richards auf der Arena Stage in Washington, D. C., 1987. Gutschrift. . . Joan Marcus

Es ist wahr, dass er bei allem Genie Wilsons dazu neigt, seine eigenen schwarzen Klischees zu wiederholen: der Älteste, der davon spricht, den Kopf gesenkt zu halten, der eigenwillige Junge, der sich nach oben kämpfen will, die verantwortliche Freundin, die es muss Bleib stark. Die Nuancen der Gemeinschaft, die er nicht vollständig erfasst hat, sind auch Teil seines Erbes, sowohl für Dramatiker, die seine kreativen Erben sind, als auch für diejenigen, die wie verlorene Kinder in die entgegengesetzte Richtung verstoßen. “Mir wurde gesagt, dass meine Stücke nicht wie die von August Wilson waren, und deshalb musste ich wissen, dass ich nicht in der Reihe war”, sagt die 57-jährige Dramatikerin Suzan-Lori Parks. Dies war ein unglücklicher Nebeneffekt von Wilsons Anerkennung – dass er, der nie außergewöhnlich war, selbst außergewöhnlich war, als der beste schwarze Dramatiker unter den Produzenten angekündigt wurde, der einen halbherzigen Versuch unternahm, die Vielfalt zu erhöhen, und als Maßstab für den anderen standhielt Schwarze Dramatiker werden gemessen. In Parks Fall haben diese Vergleiche sie nur dazu inspiriert, ihren eigenen Weg zu gehen. “Vielleicht ist das die DNA seiner Arbeit, die in meiner Arbeit lebt, die Kühnheit der Präsenz”, fügt sie hinzu. “Wie” Wir sind hier, wir stehen hier, wir sprechen. ’”

Wilson selbst erkannte, dass die schwarze Macht in diesem Land in derselben Binärdarstellung von Kampf und Widerstandsfähigkeit verwurzelt war. Wie er in seiner Rede „Boden, auf dem ich stehe“ sagte: „Ich stehe mich und meine Kunst direkt auf dem selbstbestimmenden Boden der Sklavenunterkünfte und finde den Boden heilig und fruchtbar durch das Blut und die Knochen der Männer und Frauen, die als Krieger auf dem kulturellen Schlachtfeld bezeichnet werden können, die ihren Selbstwert bekräftigten. Sein Vermächtnis, mehr als seine einzigartige Figur oder “Ma Raineys Black Bottom” oder der Rest des Pittsburgh Cycle, ist also ein Erbe der Gemeinschaft, in der schwarze Künstler Legion sind, Teil eines größeren und reicheren Porträts von Blackness, das wir kannten war die ganze Zeit dort.

Dies ist, was es bedeutet, auf ein Lied zuzulaufen, wie die beiden Schwarzen, die durch die Wälder von Barnesville rennen – ein Lied, das an die Vergangenheit gebunden ist, wie der Blues, aber auch in der Gegenwart lebt. “Es ist schwer, diese Musik zu definieren”, schrieb Wilson in der Einleitung zu “Ma Rainey”. “Es genügt zu sagen, dass es Musik ist, die atmet und berührt.” Das verbindet. Das ist an sich eine Art zu sein, getrennt und verschieden von jeder anderen. Ma Rainey singt. Wilson singt. Und jetzt, ungefähr 15 Jahre nach seinem Tod, bittet er uns, mitzumachen.

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