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Das Wort im MoMA lautet „Rotation, Rotation, Rotation“.

Die ständige Sammlung des Museum of Modern Art ist in Bewegung. Es verlässt das Gebäude nicht, ist aber in Bewegung wie nie zuvor. Am Samstag wird das MoMA das so genannte Fall Reveal vorstellen, eine Neuauflage von etwa einem Drittel seiner Bestände oder 20 von 60 Galerien. Dies ist die erste Phase eines ehrgeizigen Plans, die gesamte Sammlung regelmäßig zu wechseln. Kurz gesagt, das Ergebnis ist außerordentlich gut.

Es gibt einige wunderbare Akquisitionen zu schätzen und einige Stücke, die so lange gelagert wurden, dass sie genauso gut neu sein könnten. Gerhard Richters packender “18. Oktober 1977” erhält zum ersten Mal eine eigene eigenständige Galerie im fünften Stock und gewinnt eine neue Bedeutung. Diese 1988 erschienene Suite von 15 verschwommenen grauen Gemälden über die Gefangennahme, den verdächtigen Tod und die Beerdigung der anarchistischen Gruppe Baader-Meinhof meditiert angemessen über die Macht des Staates. Auch hier finden Sie die selten ausgestellte “Studie für ein Haus der Geselligkeit” des Architekten Hermann Finsterlin aus polychromem Gips und Farbe aus der Zeit um 1920, die Frank Gehry, Mailands Memphis-Designer und Frank Stella vorstellt.

Im Vorfeld der Wiedereröffnung des neu erweiterten Gebäudes im vergangenen Oktober kündigte die Moderne eine philosophische Neuausrichtung an, die ihren Fokus auf eine globale und nicht nur westliche Geschichte der modernen Kunst ausweitete. Die traditionell isolierten Kunstmedien würden ebenfalls integriert. Malerei und Skulptur würden den Raum mit Fotografie, Design, Arbeiten auf Papier, Film und Musik teilen. Am aufregendsten war vielleicht der ehrgeizige Plan, alle sechs Monate einen wesentlichen Teil der Sammlung auszutauschen. Für eine Institution, in der permanente Sammlungsausstellungen einst 5 oder 10 Jahre lang weitgehend unberührt blieben, war dieses Tempo gleichbedeutend mit Warp-Geschwindigkeit.

Besucher würden mehr vom Reichtum des Museums sehen – solange sie immer wieder zurückkommen. Kuratoren würden sich in abteilungsübergreifenden Teams intensiver mit diesen Reichtümern auseinandersetzen. Vielleicht würde sich das kuratorische Denken unter dem Druck schneller bewegen.

Diese erste Herbst-Enthüllung zeigt, wie das Museum diese erstaunliche Anstrengung unternommen hat. Die Sammlung erstreckt sich immer noch über drei Ebenen und erstreckt sich chronologisch vom fünften Stock (1880-1940) über den vierten (1940-1970) bis zum zweiten (1970-heute) – wobei jedes Mal dieselbe Gruppe von Galerien auf jeder Etage neu installiert wird . Während sich die Kunst ändert, bleiben die Galerien auf vier und fünf einem ziemlich definierten Stil, einer Periode oder einem Medium gewidmet. Sie werden an fast derselben Stelle auf neue Beispiele für Design oder Fotografie, Dada oder Pop Art stoßen. Der Umhang hat mehr Überbleibsel in Bezug auf Künstler und sogar Kunstwerke als ich erwartet hatte. Aber die Überlagerung der vorherigen und der aktuellen Installation kann ein angenehmes Gefühl der Vertrautheit erzeugen: War dies das letzte Mal hier? In dieser Galerie? An dieser Wand?

Zugegeben, bestimmte Reizstoffe bleiben bestehen: Einige Galerien meiden immer noch fleißig hilfreiche Namen von Kunstbewegungen und entscheiden sich für Sätze, die langweilig oder vage sind. Die Galerie im vierten Stock mit einer Mischung aus dem, was die meisten Leute als Pop Art erkennen würden, war früher „Von Suppendosen zu fliegenden Untertassen“ und heißt jetzt „Domestic Disruption“. „Nichts für ungut, aber vielleicht braucht das Museum ein eigenes Autorenzimmer.

Ansonsten fühlt sich die erste Herbst-Enthüllung meistens wie eine gute Eingewöhnung an, ein weiterer Schritt in einem Prozess, bei dem sich Besucher, Kuratoren und Kunst im neuen Museum of Modern Art wie zu Hause fühlen. Hier sind einige der herausragenden Galerien, Etage für Etage.

Fünfter Stock

Die Anzeige im fünften Stock besteht vorübergehend aus zwei Galerien, die für die nächsten ein oder zwei Wochen kurz sind. Ein großer Teil widmet sich der Pariser Kunst und dem Pariser Design zwischen den Weltkriegen, ein anderer der Weimarer Porträtmalerei. Ich freue mich darauf, Gabriele Münters “Woman in Thought II”, ein Gemälde aus dem Jahr 1928, zu sehen, das letztes Jahr erworben wurde, und vielleicht später über diese Räume zu schreiben.

Nach den Gesetzen des Zufalls Dies ist die erste der aufgehängten Galerien im fünften Stock und konzentriert sich erneut auf Duchamp und seine dadaistischen Mitbrüder. Passenderweise wurde es zufällig installiert. Die Melodie, die durch die Galerie weht, ist eine der frühesten Zufallsanwendungen von Duchamp: das „Erratum Musical“ von 1913, das (für drei Stimmen) durch Zeichnen von Noten aus einem Hut komponiert wurde. Im Anschluss daran legten die Kuratoren die Reihenfolge der ausgestellten Werke fest, indem sie auch ihre Titel aus einem Hut zogen. Es sieht überraschend normal aus, bis auf die zusammenzuckende Platzierung von zwei Wandvitrinen nebeneinander.

Eine moderne Medienwelt Diese Fotogalerie konzentriert sich jetzt auf Bilder, die für Zeitschriftenanzeigen, Buchillustrationen und soziale Dokumentationen in Auftrag gegeben und später vom MoMA zur Kunst erhoben wurden. (Das Display bietet die relativ bescheidenen Veröffentlichungen, in denen sie ursprünglich erschienen sind.) Zu den zahlreichen Fotografen zählen Paul Outerbridge, Germaine Krull, Andre Kertesz und Tina Modotti, deren exquisites „Telephone Wire, Mexico“ aus der Zeit um 1925 sowohl spirituell als auch abstrakt ist. Zu sehen ist auch ein elegantes schwarzes Bakelit-Radio von der Größe eines kleinen Grabsteins, das 1933 von Serge Chermayeff entworfen wurde.

Abstraktion und Ornament Diese Galerie bietet die meisten Überraschungen mit einer dichten Präsentation einiger der Wunder der Museumsbestände im frühneuzeitlichen Design. Ein imposanter Cluster in der Mitte der Galerie enthält eine Wandbehang von 1927 in einer synkopierten Geometrie aus Weiß, Schwarz und Grau von Anni Albers; ein großes Fenstergitter – möglicherweise für ein Schaufenster – in gewundenen Bändern aus Schmiedeeisen von Antoni Gaudí; zwei farbige Glasfenster von Frank Lloyd Wright; und ein 1893 von Louis Sullivan entworfenes Aufzugsgitter der Chicago Stock Exchange, das den Weg zur schlanken, verspielten Eleganz von Alexander Girard in den 1950er Jahren weist.

Vierte Etage

Als das gesamte Museum letztes Jahr neu gemischt wurde, ähnelten die Galerien im vierten Stock zu oft viel Kunst auf der Suche nach einem Kurator, aber die 2020-Revisionen hier klicken meistens.

Alltägliche Begegnungen Nach wie vor konzentriert sich die erste Galerie auf amerikanische, europäische und japanische Kunstwerke der Nachkriegszeit aus den 1950er und frühen 60er Jahren im Spannungsfeld von Performance, Malerei und Populärkultur, erzielt jedoch ein besseres Gleichgewicht. Es neigt sich weg von amerikanischen Vaterfiguren wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg – obwohl auch sie hier perfekt aussehen – hin zu Künstlern von neuem Ruf. Besonders prominent sind die radikalen Maler der japanischen Gutai-Gruppe: Atsuko Tanaka (der mit Glühbirnen auftrat und der abstrakten Malerei eine ähnliche Elektrizität verleiht); Kazuo Shiraga, der ausschließlich mit den Füßen malte; und der weniger bekannte Tsuruko Yamazaki, dessen wilde kleine Abstraktion in Anilinfarbstoff auf Zinn eine Neuerwerbung ist.

Carolee Schneemanns „Four Fur Cutting Boards“ (1962-63), eine dynamische kinetische Skulptur, die auch eine bemalte Leinwand und Bühnenkulisse darstellt, wurde 2015 erworben, wird aber zum ersten Mal seitdem gezeigt und ist schlau Riff über die Bemühungen von Herrn Johns und Herrn Rauschenberg. Der perkussive Soundtrack der Galerie stammt aus Cecil Taylors 1968er Video “Les Grandes Répétitions”, das diesen großen Jazzmann zeigt, der wahnsinnig am Klavier improvisiert, unterstützt von mehreren Instrumentalisten.

Gordon Parks und “Die Atmosphäre des Verbrechens” Diese Galerie ersetzt eine Ausstellung abstrakter Fotografie durch eine der verstörendsten Darstellungen der Umbesetzung aufgrund ihrer Kombination aus Schönheit und Böswilligkeit. Im Zentrum steht die Serie dunkler, wunderschöner, mürrischer und herzzerreißender Farbfotografien, die Gordon Parks 1957 für eine Strecke im Life-Magazin aufgenommen hat, in der Stereotypen der Kriminalität in Frage gestellt werden. In Gefängnissen, Polizeistationen, feuchten Gängen und zwielichtigen Straßen erschossen, decken sie das institutionelle Übel auf, das für dieses Land von zentraler Bedeutung ist, und seine Auswirkungen auf marginalisierte Menschen. Umliegende Fotos dokumentieren mehrere amerikanische Tragödien: Oswald und Ruby, Ted Kennedys Auto, das an der Brücke nach Chappaquiddick Island schwimmt; und Ethel und Julius Rosenberg auf dem Weg ins Gefängnis.

Inländische Störungen Diese Galerie, die sich auf Pop Art konzentriert, ist weit weniger unkompliziert als ihre vorherige Iteration und bestätigt überzeugender den Internationalismus, der ein wiederkehrender Untertext auf dieser Etage ist. Tom Wesselmanns vergrößertes “Stillleben # 57” (1969-70) ist eines seiner besten Installationsbilder, nicht zuletzt, weil es keine Akte enthält. Es steht im Dialog mit Noah Purifoys “Unbekannt”, einem balletischen Assemblage-Gemälde, in dem ein Sonnenschirmanker über gesättigte Bänder aus Grün, Gelb und Rot strahlt. Auf der anderen Seite steht Beatriz González ‘”Wiegenlied”, ein Babybett aus Metall, emailliert grün mit einem angemessenen Bild von Mutter und Kind. Ebenfalls Teil der Verbesserung: Werke von Thomas Bayrle, Betye Saar, David Hockney und Henry Darger.

Berühren der Leere Diese Galerie betont eine reduzierte Abstraktion in zwei- und dreidimensionalen Dimensionen, die das Label als „Poetik der nackten Form“ bezeichnet, die von Künstlern aus der ganzen Welt praktiziert wird und in diesem Land als minimalistisch bezeichnet wird. Suchen Sie nach Lee Ufans leuchtenden Pinselstrichen, Simon Hantaïs genial gefärbtem Allover-Farbfeld und mehreren Werken des großen Gego (Gertrud Goldschmidt), die aus einem Feld von 15 Künstlern hervorgehen, von denen nur drei Amerikaner sind.

Zweiter Stock

Der Umbau in diesem Abschnitt unterscheidet sich von den oberen Stockwerken darin, dass alle Kunstwerke entfernt wurden und die Kuratoren mit einer sauberen Tafel begannen, die zusammenhängende Arbeitsarrangements hauptsächlich aus den 1980er und 1990er Jahren in vier Themengalerien zusammenstellte.

Die Summe aller Teile konzentriert sich auf Kunst als inkrementellen Beweis dafür, dass sich der Körper mit Werken von Sue Williamson, Adrian Piper und dem erstaunlichen Video-Veteranen Theo Eshetu durch das Leben bewegt.

Montage Hier treten die Assemblage-Tendenzen der amerikanischen Künstler Cady Noland, Jimmie Durham und David Hammons gegeneinander an. Alle arbeiten mit verschiedenen gefundenen Objekten, um Aspekte der Geschichte und der Völker ihres Landes zu berücksichtigen.

Nach der Mauer Die größte Galerie der Sektion befasst sich aufschlussreich mit Kunst, die nach 1989 hauptsächlich in Europa hergestellt wurde. Sigmar Polke und Günther Förg sind hier. Weniger bekannte Namen sind der Maler Mladen Stilinovic und der Postkünstler Guillermo Deisler.

Suchmaschinen Hier sehen wir eine Reihe von Reaktionen auf die Digitalisierung: ihre Akzeptanz in der Arbeit von Seth Price und ihre Ablehnung in den verlockenden Collagen von Wangechi Mutu und den von Giorgia Lupi und Stefanie Posavec ausgetauschten handdekorierten Postkarten.

Es herrscht eine gewisse Grimmigkeit, die gleichzeitig visuell, konzeptuell und unerbittlich ernst ist. Es kann schwierig sein, alles bei der ersten Begegnung zu ertragen. (Als ich das erste Mal durchging, kam mir der Ausdruck „Haarhemd“ in den Sinn.) Aber dies sind außerordentlich düstere Zeiten, und fast alle Arbeiten sind außergewöhnlich und im MoMA sinnvoll.

Dieser Abschnitt schließt mit zwei Arbeiten in eigenen Galerien. Eine davon ist Carrie Mae Weems ‘”Von hier aus habe ich gesehen, was passiert ist und ich habe geweint”, eine heute ein Vierteljahrhundert alte Lehrmeditation über die Versklavung unter Verwendung von Fotografien von Afroamerikanern aus dem 19. Jahrhundert, die mit ihren eigenen beschwörenden Worten geschärft wurden. Das andere ist Cao Feis 2006er Video “Whose Utopia” von chinesischen Arbeitern, die Hobbys wie Ballett und Gitarrenspiel in der riesigen Fabrik demonstrieren, in der sie arbeiten. Es ist ein trauriges, aber inspirierendes Argument für das Fortbestehen der Kunst und implizit der Liebe angesichts der Industrialisierung und Entfremdung. Beide Werke mögen jetzt noch relevanter sein als zu dem Zeitpunkt, als sie gemacht wurden.

Der zweite Stock, der sich mit der jüngsten Vergangenheit und Gegenwart befasst, zeigt in die Zukunft und bestätigt die Sammlung als lebendes Labor und nicht als großes Mausoleum – heute ein Organismus mit offenem Ende, der sich immer in Formation und Reformation befindet.

Man verlässt die Moderne und erkennt, dass die Sammlung zu einem Projekt geworden ist, bei dem die Sonne niemals untergeht. Jederzeit, irgendwo im Museum, wird die nächste Rotation planen und das Museum der Geschwindigkeit der Kunst und des kuratorischen Denkens viel näher bringen. Es ist fast überwältigend zu überlegen, was diese sich ändernden Anzeigen in Zukunft bewirken könnten.

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Herbstbericht des Museum of Modern Art

Die zweite, vierte und fünfte Etage des Museums werden am Samstag mit 20 der 60 Galerien der ständigen Sammlung wiedereröffnet. 11 West 53rd Street, Manhattan; 212-708-9400, moma. org. Zeitgesteuerte Tickets sind erforderlich.

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