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Patti LaBelle, die Doyenne von Philadelphia Soul

PATTI LABELLES Supermacht ist ein faszinierender Schrei – wirklich ein raffinierter Schrei – der Haare auffallen lässt, Knochen zittern und Stacheln verdrehen. Es war 1975, als ich es zum ersten Mal hörte. Ich war 10 Jahre alt, im Mietshaus meiner Eltern in der South Bronx, wo der Radiosender WBLS – der laut Promos „das totale schwarze Klangerlebnis“ bot – während unseres morgendlichen Ansturms zur Schule immer aktiv war. Dann traf es mich – “Creole Lady Marmalaaaaade “, das letzte Wort dieser Titeltexte, die im Jahr zuvor debütierten und die Luft erfüllten. Mein erster Patti LaBelle Moment. Seitdem gab es viele solcher Momente – wie das Hören von „Love, Need and Want You“ (1983), das ich als Teenager auf das allererste Slow-Jam-Tape gelegt habe – und bei jedem ist die einzig logische Reaktion darauf Wirf deine Hände hoch, zieh deine Schuhe aus und breche gelegentlich in einem Lobtanz aus.

Es gibt keine passive Antwort auf einen Patti LaBelle-Song – und sollte es auch nicht geben. LaBelle wurde in den 1970er Jahren bekannt, einem Jahrzehnt, das von der größten Generation von Diven der Soul- und Gospelmusik bestimmt wurde: Aretha Franklin, Diana Ross, Shirley Caesar, Gladys Knight und Inez Andrews sowie den relativen Jugendlichen Chaka Khan und Natalie Cole. Aber LaBelle hatte etwas so Relatierbares, das Sie an Ihren Lieblingssolisten in der Kirche oder an das Mädchen auf der High-School-Talentshow erinnerte, das es konnte saaang, nicht nur singen. LaBelle wurde als die Patin der Seele beschrieben, eine Meisterin einer der klassischen Kunstformen Amerikas, aber dieser Spitzname kann letztendlich die Einzigartigkeit ihrer musikalischen Fähigkeiten nicht erfassen: Vielleicht sitzt LaBelle mehr als jeder andere lebende Künstler an der Schnittstelle von Seele und Evangelium , das erstere ein Genre, das dem letzteren verpflichtet ist. Gospel ist eine Form schwarzer religiöser Musik, die in den 1930er Jahren mit freundlicher Genehmigung von Thomas A. Dorsey entstand, dem ehemaligen Pianisten der Blueslegende Ma Rainey, der auch den Klassiker „Take My Hand, Precious Lord. Soul nahm in den 1950er Jahren Gestalt an, zum großen Teil aufgrund von Ray Charles, der den Melodien bekannter Gospel-Songs weltliche Texte hinzufügte, am bekanntesten mit dem Titel „I Got a Woman“ (1954), einem frühen Remix der Art von Southern Tones ‘„Es muss Jesus sein. Viele schwarze Kirchgänger hielten Charles ‘Musik für blasphemisch, aber er öffnete ein Portal für eine Generation von Gospelsängern wie Sam Cooke, Johnnie Taylor und Franklin, die frühe Stars des neuen Genres wurden.

Aber LaBelle ist mehr als jemand, der die Seele und das Evangelium beherrscht. Sie ist „Kirche“, ein Gesangsstil aus den Musiktraditionen der Schwarzen Pfingstler und Baptisten, bei dem die Gospelmusik nicht durch das Geschäft mit Religion und die Seele durch die Erwartungen der Musikindustrie eingeschränkt wird. LaBelles Wiedergabe der ABCs in der „Sesamstraße“ im Jahr 1998 ist nur ein Beispiel. Sie beginnt in einem langsamen, bluesigen Stil, begleitet von einem Klavier, und als sich eine Versammlung von Muppets anschließt, verwandelt sich das Lied in einen geheiligten Ruf, der mit einer Leidenschaft aufgeführt wird, die noch niemand für die ABCs hatte – und vielleicht nie wieder wird . Es war Kirche.

Es fühlte sich an wie am letzten Sommertag am Herbstnachmittag, als ich bei LaBelle nördlich von Philadelphia ankam – das Surren ihrer Familie und ihres Personals war dem von Kindern während der Pause nicht unähnlich. Während Tupac Shakur und Dr. Dre’s “California Love” auf Wunsch von LaBelle im Hintergrund spielten, machten sich die Fotografen Deb Willis und Hank Willis Thomas an die Arbeit, eine Frau einzufangen, die über einfache Eindrücke hinausgeht. Als ich sie sah, dachte ich an Roy DeCaravas klassische Fotos von Ornette Coleman, Billie Holiday oder John Coltrane oder an Malcolm X, der ein Foto von Muhammad Ali machte – einem der am meisten fotografierten schwarzen Amerikaner des 20. Jahrhunderts, der Fotos von einem der am meisten fotografierten Schwarzen machte Amerikaner des 20. Jahrhunderts. Mit anderen Worten: eine Ausrichtung von schwarzer Brillanz und Genialität.

Mit 76 Jahren hat die unhandliche Rohheit von LaBelles jugendlichem Instrument einer raffinierten und nuancierten Kraft Platz gemacht, die sie mit der Gelassenheit einer Meisterin beschwört. Sie ist “wirklich besser geworden”, sagte mir Dyana Williams, die langjährige Radio-Persönlichkeit aus Philadelphia und eine Freundin von LaBelle. Die Sängerin, fügte sie hinzu, „hat Generationen überschritten und ist für jede Generation von Musikern immer noch relevant geblieben. ”

Noch bedeutender als ihre Langlebigkeit ist der Kontext ihres Durchhaltevermögens. LaBelle gehört zu einer Generation schwarzer Frauen, die regelmäßig mit der Ehre der „Tante“ gelobt werden – Tante Phylicia, Tante Gladys, Tante Cicely – ein Begriff der Zuneigung für Frauen, die weiterhin einen wichtigen Platz in der Kultur einnehmen. Dies sind die Frauen, von denen junge Schwarze wissen, dass sie ohne sofortiges Urteil immer Unterstützung bieten werden – sie werden Korrekturen und Ratschläge geben. Als ich in LaBelles Wohnzimmer geführt wurde und die Düfte von Muskatnuss und Zimt in der Luft hingen – da war Pfirsichschuster im Ofen – wurde mir klar, dass ich nicht mehr bei Patti LaBelle zu Hause war, sondern bei einer beliebigen Anzahl von Tanten, die ich ‘ Ich habe erwartet, dass ich so rieche. “Oh mein Gott”, dachte ich mir und saß auf der Couch gegenüber einem Klavier, das mit Dutzenden von Fotos von nahen Familienmitgliedern und Freunden bedeckt war, darunter die Clintons und Barack Obama. “Ich bin in Tante Pattis Haus. Und dann erschien sie: atemberaubend, königlich, wunderschön.

Wir zogen später in ihr Wohnzimmer, wo sie eine Auswahl ihrer vielen Auszeichnungen aufbewahrt. Sie hat fünf zertifizierte Goldplatten, die mit Platin ausgezeichnete “Winner in You” (1986) und zwei Grammys, die sie für ihre Alben “Burnin” (1991) und “Live! Nur eine Nacht “(1998). LaBelle lebt alleine, aber die verschiedenen Familienmitglieder im Haus an diesem Tag – ihre beiden jungen Enkelinnen, ihr Sohn Zuri und seine Frau (die auch ihre persönliche Maskenbildnerin ist), die alle in der Nähe wohnen – waren ein gutes Indiz dafür, wie einladend ein Raum ist es ist: ein Zuhause, keine Zwischenstation, ein wichtiger Ort für jemanden, der ein Leben lang unterwegs war (bis zur jüngsten Pandemie tourte sie immer noch regelmäßig). “Philadelphia ist ein Ort, an dem ich mein ganzes Leben lang leben kann, weil es für mich ruhig genug ist”, sagte LaBelle über ihre Heimatstadt. “Es ist nicht verrückt wie New York oder LA. Ich liebe Philly. Philly ist mein Zuhause. ”

Philadelphia war aber auch eine musikalische Inspiration für LaBelle und Generationen von Künstlern aus der Stadt und darüber hinaus. “Es ist die produktivste Stadt, die ich kenne”, sagte LaBelle und taumelte eine Reihe von Künstlern ab, die entweder in der Stadt geboren wurden oder sich dort einen Namen machten: Bunny Sigler, Thom Bell, Pink, Jill Scott, die Wurzeln, Eva, Musiq Soulchild , ihr enger Freund Teddy Pendergrass, Phyllis Hyman, Billy Paul. Philadelphia liegt zwischen und damit im Schatten der amerikanischen Kulturhauptstadt New York City und des Sitzes der amerikanischen Macht, Washington, D. C. Der Ort hat eine Außenseiterqualität, die seine Bewohner dazu bringt, sich mehr anzustrengen, als sie könnten. Wenn Sie LaBelles Gesang auf frühen Covers von „Over the Rainbow“ (aufgenommen 1966) oder der irischen Hymne „Danny Boy“ (1964) hören – die junge LaBelle singt, als wäre jede Note ihre letzte -, gibt es eine Gefühl von „Ich kann nicht glauben, dass sie es getan hat das mit diesem Lied “, das alle Konventionen in ihrem Bereich und ihrer Phrasierung mit Füßen tritt und uns überlegt, wie diese Tin Pan Alley-Standards gesungen werden sollten. Die Essenz von Patti LaBelle, der Sängerin, ist, dass sie immer bereit ist, dies zu tun das zu einem Song, und dies ist einer der Gründe, warum sie das Vorbild für das ist, was als Philly Sound bekannt geworden ist.

Und doch, was ist das klingt? “Sie kennen Philly, wenn Sie es hören”, sagte LaBelle schüchtern. Williams, der seit 40 Jahren in Philadelphia lebt, beschrieb es als “melodisch, harmonisch, rhythmisch und funky zugleich – die Verkörperung mehrerer Genres”, einschließlich europäischer klassischer Musik: Die Streicharrangements, die Sie in vielen der Musik hören Genres Songs – wie das Intro zu O’Jays ‘”Stairway to Heaven” (1975) oder der Proto-Disco-Klassiker “Love Is the Message” (1973) von MFSB – wurden oft von Mitgliedern des Philadelphia Orchestra aufgeführt. Williams bezieht sich speziell auf Philadelphia International Records, das 1971 von Kenneth Gamble und Leon Huff gegründete Label, das ein Synonym für Philadelphia Soul ist. Der Sound des Labels verband den erdigen Gesang lokaler Sänger mit dem Pop-Appeal von Motown. Philadelphia Soul war die Verkörperung der Bestrebungen der schwarzen Amerikaner der Arbeiterklasse, die sich in der Zeit nach den Bürgerrechten ein gutes Leben wünschen. Im besten Fall balancierte das Label diese Bestrebungen (die üppigen Saiten) mit einem stolzen Trotz, ermutigt durch diese charakteristischen Basslinien, die Sie auf einem Track wie LaBelles „Love Bankrupt“ (1983) hören können. Angeblich ein Lied über den Verlust der Liebe, ist es auch eine subtile Analogie für einen Rückzug aus den frühen Errungenschaften der Bürgerrechtsbewegung: “Du hast mich verändert”, singt LaBelle, und du kannst sagen, dass sie es ernst meint.

GEBORENE PATRICIA HOLTE – ihre Familie nannte sie Patsy – am 24. Mai 1944 wurde LaBelle von ihren Eltern Henry und Bertha Holte im Stadtteil Eastwick im Südwesten von Philadelphia, einer weitgehend schwarzen Arbeitergemeinschaft, aufgezogen. Sie war das zweitjüngste von fünf Kindern: Ihr Bruder Thomas war das älteste und sie hatte drei Schwestern, Vivian, Barbara und Jackie. In ihrer Memoirenschrift “Don’t Block the Blessings” (1996) erzählt LaBelle von einem vernarrten Vater, einem Eisenbahner und gelegentlichen Nachtclub-Darsteller, der ihre Haare geflochten, ihr Frühstück gekocht und eine Stimme wie Nat King Cole hatte. Ihre Mutter arbeitete in der Gastronomie, bevor sie hauptberufliche Hausfrau wurde. Als ihr Vater ihre Mutter missbrauchte, ließen sich die beiden scheiden. Einmal nach der Trennung ihrer Eltern wurde LaBelle vom neuen Freund ihrer Mutter sexuell missbraucht. Danach war es die Musik von Nina Simone, Gloria Lynne, Dakota Staton und James Moody, die ihr von ihrem Bruder vorgestellt wurde, die zu LaBelles „Notluke… wurde… [und] gab mir etwas zu glauben, als ich dachte, ich hätte meinen Glauben verloren . Sie begann kurz danach zu singen, mit “dem Besen als Mikrofon”, wie sie sich erinnerte. Anschließend wechselte sie zum Kirchenchor der Beulah Baptist Church, die sich in der Nähe ihres Elternhauses befand, zu einer Zeit, als die Kirche eine herausragende Rolle im täglichen Leben der schwarzen Amerikaner spielte. Es war der Chorleiter Harriet Chapman, der LaBelle zu einem Solo zwang. “‘Oh nein, Patsy, du musst nach vorne kommen und die Führung übernehmen'”, erinnerte sich LaBelle an ihren Spruch. Als sie protestierte, schlug Chapman ein Duett mit ihrem Sohn Nathan vor. LaBelle bekam den Fehler schnell danach, sang “God Specializes” und erhielt das Amen von der ganzen Gemeinde: “Sie standen alle auf und sagten:” Halleluja! “Da wurde mir zum ersten Mal klar, dass ich Talent hatte. ”

Das Tempo der Balladen ermöglicht es LaBelle, eine Reihe von Emotionen zu erkunden, die so greifbar für das Leben des Alltags sprechen: Balladen sind das Komfortessen der Seelenmusik – Melodien, die an den Knochen haften, Nahrung für die Gemeinschaften der Arbeiterklasse, deren sehr Die Menschheit wird täglich herausgefordert.

LaBelle begann ihre Karriere 1960, als sie sich einem Quartett anschloss, zu dem ursprünglich Jean Brown, Yvonne Hogen und Johnnie Dawson gehörten, später jedoch die Sänger Nona Hendryx, Sarah Dash und Cindy Birdsong. (Birdsong trat 1967 den Supremes bei und machte das Quartett zu einem Trio.) Die Ordettes, wie sie sich selbst nannten, unterschrieben 1962 beim Newtown Records-Label von Harold Robinson und wurden die Bluebelles umgetauft. Ihre Leadsängerin, die „kleine“ Patsy Holte, wurde Patti LaBelle. Aber die Gruppe wurde weitgehend von anderen wie den Shirelles und den Supremes überschattet, von denen letztere zu einer der erfolgreichsten Gruppen aller Zeiten wurden. Ihre Leadsängerin Diana Ross wurde zu einem globalen Superstar. Aber Ross war nie an einen Ort wie LaBelle gebunden – sie zog Anfang der 1970er Jahre nach Los Angeles und zog später nach New York City. LaBelle hingegen blieb und wurde zum Synonym für ihre Heimatstadt. Diana Ross war ein reines Pop-Konfekt; Patti LaBelle ist und war schon immer ein hausgemachtes Essen.

In ihren frühen Jahren verdienten die Bluebelles, wie viele ihrer Kollegen, ihren Lebensunterhalt auf der sogenannten Chitlin-Rennstrecke, einem Netzwerk von Clubs und Theatern hauptsächlich im Osten und Süden der Vereinigten Staaten, die sich um Schwarz kümmerten Künstler und Publikum während eines Großteils des 20. Jahrhunderts. Chitlins, kurz für Chitterlings, war eine schwarze amerikanische Delikatesse, die aus Abfällen – Schweinedärmen – gewonnen wurde. Die Chitlin-Schaltung war also eine Metapher für die verbleibenden Möglichkeiten, die schwarzen Darstellern im getrennten Amerika eingeräumt wurden. Es war aber auch eine Geschichte der Resilienz, als Theater wie das Fox in Detroit, das Howard in Washington, D. C., Philadelphias Uptown und vor allem New Yorks Apollo zu Inkubatoren für schwarze Musik wurden. “Ich bin froh, dass wir eine Chitlin-Strecke hatten”, sagte LaBelle. „Es macht mich zu einem besseren Ich. “Zu den Dingen, die sie besser gemacht haben, gehörten Geländefahrten, weil sich die Gruppe keinen Flug leisten konnte oder mit dem Kauf von Schokoriegeln, Thunfischdosen und 10-Cent-Sardinen mit einem dürftigen Tagessatz überleben konnte. “Ich habe eine Speisekammer voller Sardinen und Thunfisch”, scherzte LaBelle halb und bemerkte: “Das hatte ich gestern, ein schönes Thunfischsandwich und neulich Sardinen. Sie grinste. „Unser gutes Schwarz war gut “, sagte sie und bezog sich erneut auf die Schaltung – eine Erinnerung daran, dass die schwarzen Amerikaner vor langer Zeit ihre eigenen Kriterien für die kulturelle Bestätigung festgelegt hatten.

Aber nicht alles auf der Chitlin-Rennstrecke war „gut. Auf einer solchen Tour versuchte die Sängerin Jackie Wilson, sie zu vergewaltigen, wie LaBelle in ihren Memoiren berichtet. Solche Geschichten über das Leben auf der R & B-Rennstrecke oder der „Rough and Black“ -Schaltung, wie sie die fiktive Figur James (Thunder) Early in dem Film „Dreamgirls“ (2006) beschreibt, fanden in den 1960er Jahren wenig Beachtung. LaBelles Bereitschaft, ihre Geschichte über Wilson zu teilen, der vom Publikum verehrt wurde und dessen legendäre Bühnenauftritte eine Inspiration für einen jungen Michael Jackson waren, war zu dieser Zeit – 20 Jahre vor #MeToo – besonders mutig und betonte die prekäre Lage, jung zu sein Frau, insbesondere eine junge schwarze Frau, in der Plattenindustrie.

Solche Erfahrungen inspirierten die Musik, die die Gruppe in den 1970er Jahren als Frauen aufnahm, die die Kontrolle über ihr Image, ihren Körper und ihre Sexualität übernahmen. Als sich die Bluebelles 1971 in Labelle verwandelten, definierten sie auch die Idee der Mädchengruppe neu. Abwesend waren die Bouffants und Bob Mackie-Kleider, die die Supremes so berühmt gemacht hatten. Wie die Gelehrte Maureen Mahon in ihrem Buch „Black Diamond Queens“ (2020) schreibt, betonte Labelle stattdessen „individuelle Stimmen und Persönlichkeiten in Gesang, Kleidung und Bühnenstil. Mädchengruppen? Nein, in Labelle ging es um erwachsene schwarze Frauen, die “mutig, dreist und dreist” waren. So stellte sich die Managerin der Gruppe, Victoria Wickham, sie vor. Wie LaBelle in ihren Memoiren erinnert, glaubte Wickham, dass das Trio revolutionär sein würde: „Drei schwarze Frauen singen über Rassismus, Sexismus und Erotik. Auf ihren ersten Alben haben sie Signature-Songs von den Rolling Stones (“Wild Horses”), Gil Scott-Heron (“Die Revolution wird nicht im Fernsehen übertragen”), The Who (“Won’t Get Fooled Again”) und Cat Stevens gecovert („Moonshadow“) und zwingen sich in eine Domäne, die von männlichen Darstellern dominiert wird. Wie Mahon bemerkt, positionierten Labelles „rebellische Performance-Haltung, offenes Engagement für Sexualität und abenteuerliche, energiegeladene Musik die Gruppe, um einen Platz auf der Rockbühne einzunehmen. Und tatsächlich waren ihre Stile, die vom Afrofuturismus von Sun Ra inspiriert zu sein schienen – metallische Kopfbedeckungen, Zwerchfelloberteile, hautenge Unterteile, kurze Röcke und Stiefel in voller Länge – eine Blaupause für populärere schwarze Acts wie Earth, Wind & Feuer und Parlament-Funkadelic.

In dieser Zeit heiratete LaBelle 1969 ihren langjährigen Freund und zukünftigen Manager Armstead Edwards und brachte 1973 ihren Sohn Zuri zur Welt. (Das Paar adoptierte später vier weitere Kinder: Stayce und William, LaBelles Nichte und Neffe , die sie nach dem Tod ihrer Schwester Jackie im Jahr 1989 aufnahm, und Stanley und Dodd, die Kinder ihres Nachbarn, deren Mutter ebenfalls gestorben war.) Aber Ehe und Mutterschaft hielten LaBelle nicht von ihrer Musik ab. Der größte Erfolg des Trios, die mittlerweile ikonische „Lady Marmalade“, kam nur ein Jahr nach der Geburt ihres Sohnes mit einer Prahlerei im New Orleans-Stil, die wie ein betrunkener Seemann stolziert, der seine Wünsche befriedigen will, wenn auch nur für die Nacht: „Voulez -vous coucher avec moi, ce soir? ” Dass diese Wünsche von drei Frauen zum Ausdruck gebracht werden, die einen unausgesprochenen Gesellschaftsvertrag brechen, hat das Lied so provokativ gemacht – und eine Inspiration für Frauen in den aufkeimenden Tagen der feministischen Bewegung.

THE GROUP BROKE UP 1976 und LaBelle trat als Breakout-R & B-Sängerin auf. Seit ihrem Solo-Debüt 1977 hat sie 23 Alben aufgenommen. Wenn es etwas gibt, das man als endgültiges Patti LaBelle-Album bezeichnen könnte, dann ist es “I’m in Love Again” (1983), das einen ihrer bislang erfolgreichsten Songs als Solokünstlerin hervorbrachte: “If Only You Knew”. So wie LaBelle sagt, dass sie ein Philly-Lied kennt, wenn sie es hört, wissen die Zuschauer, dass es sich um ein Patti LaBelle-Lied handelt. “If Only You Knew” ist ein langsames, langsames Brennen – ein zertifizierter langsamer Widerstand, wie die Leute es eine Generation früher genannt hätten, während dieser Blaulicht-im-Haus-Hauspartys, an denen LaBelle erwachsen geworden wäre . Zu Beginn singt LaBelle: „Ich muss meine Zeilen tausendmal einstudiert haben“ mit einer Zurückhaltung, die verrät, was das Publikum von ihr erwartet hat. Aber es ist ein Setup: Sie wiegt ihre Zuhörer – die Texte werden als sanftes Gurren und leises Murmeln wiedergegeben – bis zur plötzlichen Veröffentlichung, wenn sich das Lied in etwas verwandelt, das nur als Anfälle von Ekstase bezeichnet werden kann.

„Patti LaBelle ist eine Balladeerin. Ich liebe Balladen “, sagte sie mir. Zu ihren Unterschriften gehören “Somebody Loves You” (1991) und “If You Ask Me To”, ein Lied, das bei ihrer ersten Aufnahme im Jahr 1989 eine kleine Welle machte, aber zu einem großen Pop-Hit wurde, als Celine Dion es drei Jahre später abdeckte. unter Verwendung der gleichen Vorkehrungen, wie LaBelle feststellte. Obwohl sie auch zugab: “Sie hat so gut gesungen und wir sind Freunde, also sagte ich:” Ich bin froh, dass du es getan hast. ” Das Tempo der Balladen ermöglicht es LaBelle, eine Reihe von Emotionen zu erforschen, die, wenn sie auf Gefühle des Begehrens, des Verrats und sogar der Erotik abgebildet werden, so greifbar für das Leben des Alltags sprechen: Balladen sind die Komfortnahrung der Seelenmusik – Melodien, die bleiben bis auf die Knochen Nahrung für die Gemeinschaften der Arbeiterklasse, deren Menschlichkeit täglich herausgefordert wird. Wenn LaBelle “Jemand liebt dich” singt, ist dies eine Erinnerung daran, dass ihr Leben wichtig ist.

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Obwohl LaBelle Songs geschrieben hat, ist sie im Herzen eine Stylistin, jemand, der für die Songs, die für sie geschrieben wurden, genauso bekannt ist wie für die Personalisierung von Songs, die von anderen aufgenommen wurden. Und obwohl es in der Soul- und R & B-Tradition viele großartige Stylisten gab – Nancy Wilson hat daraus eine Karriere gemacht -, übernimmt niemand die Verantwortung so wie LaBelle. “Du musst vorsichtig sein, was du abdeckst”, sagte LaBelle und bemerkte einige der Songs, die sie im Laufe der Jahre singen wollte, entschied sich aber dagegen, wie Phyllis Hymans “Old Friend”. “Aber dann gibt es” Wenn du mich jetzt nicht kennst. „1972 erstmals aufgenommen, war es ein großer Pop-Hit für Harold Melvin und die Blue Notes – Pendergrass sang die Hauptrolle – und ist dennoch das beste Beispiel für einen Song, den LaBelle selbst gemacht hat. Bei der Live-Aufnahme von 1982 singt sie es zunächst direkt, aber beginnend mit dem ersten Refrain erweitert sie die Noten – einige treffen sie vorher und einige kurz nachdem sie erwartet wurden, und flimmern auf andere. Es ist klassischer Soul-Gesang, aber es ist LaBelles Reichweite und ihre Fähigkeit, die Texte zu personalisieren, die den Song woanders hinbringen. Auf halbem Weg unterbricht sie sich mit dem Publikum. Sie lässt die Zuhörer herein und bringt ihnen die Lektionen des Lebens bei. Der Anruf und die Antwort des Austauschs werden Weisheit vermittelt und Nachrichten übermittelt. Mit solchen Auftritten verdiente sich LaBelle ihren Ruf als Diva – ein Begriff, den sie ablehnte und sagte: “Ich bin ein Mädchen aus Philly. Ich bin keine Diva. ”

Es war im vergangenen September ein Tanten-Showcase, als sich LaBelle und Gladys Knight zusammensetzten, um „Verzuz“ zu spielen, einen virtuellen Künstlerkampf, der von den Produzenten Swizz Beatz und Timbaland konzipiert und in den ersten Monaten der Pandemie auf Instagram gestartet wurde. „Verzuz“ wurde schnell zu einem Aufschub von Covid-19-Müdigkeit und zu einer Rettungsleine für Künstler, die nicht touren konnten, und für Zuschauer, die sich nicht versammeln konnten. „Es war wie ein Konzert, weil ich seit sieben Monaten nicht mehr auf der Bühne gearbeitet hatte “, Sagte LaBelle. Obwohl Künstler ursprünglich aus der Ferne auftraten, entschieden sich LaBelle und Knight, gemeinsam auf einer Klangbühne in Philadelphia aufzutreten.

Generationen von Zuschauern waren von der „Verzuz“ -Episode mit diesen Veteranen der Seele angezogen; Es war, als würden sie uns am Küchentisch gegenüber sitzen, wo so viele Tanten Geheimnisse teilen. Die beiden beschäftigten sich mit verlorenen Lieben und Gleichaltrigen, über die sie lieber nicht sprechen würden oder mit denen sie nicht sprechen würden. Sie kannten die Worte zu den Liedern des anderen und luden sogar eine andere Tante, Dionne Warwick, auf die Bühne ein, um mit ihnen „Superwoman“ zu spielen, ein Lied, das sie 30 Jahre zuvor zum ersten Mal für ein Knight-Album aufgenommen hatten. „Wir haben so viel großartige Geschichte. Wir sind die O. G. s. Die echten Mädchen “, erinnerte sich LaBelle an ihre mehr als 50-jährige Freundschaft mit Knight, die auf ihre Tage auf der Chitlin-Rennstrecke und durch Momente der Tragödie zurückging, einschließlich des Todes von LaBelles drei Schwestern und Knights Sohn. “Es war ein Segen”, sagte sie.

“Ein Philly-Mädchen”, nannte sie sich und doch ist sie jetzt überall. LaBelle wandte sich 1984 der Schauspielerei zu, mit ihrem Auftritt als Big Mary in “A Soldier’s Story”, gefolgt von ihrer denkwürdigen Rolle als Adele Wayne in der erfolgreichen Fernsehsendung “A Different World” (1987-93), und 2015 trat sie auf zu „Tanzen mit den Sternen. 1999 erweiterte sie sich um Kochbücher – mit Rezepten wie Tante Hatties leckerem süßem Taterbrot und Say-My-Name Smothered Chicken and Gravy – und einer Reihe von Kuchen, Gebäck und Tiefkühlkost namens Patti’s Good Life, die bei Walmart verkauft wird. “Sie ist auf erstaunlichste Weise unternehmerisch”, sagte Dyana Williams. “Nicht sehr viele Künstler können in diesem Alter und in ihrer Karriere das tun, was sie tut. ”

LaBelles war ein Leben, das freudig gelebt wurde. “Ich bin so glücklich, die schwarze Frau mit dem guten Essen zu sein”, sagte sie und es war klar, dass sie es ernst meinte. Und damit schickte sie mich mit einem Teller Pfirsichschuster auf den Weg, so wie es so viele Tanten Amerikas getan hätten.

Haare: David Lamar. Make-up: Lona Azami. Maniküre: Amanda Nguyen. Produktion: Prod’n. Digitale Technologie: Willy Lukaitis. Schneiderei: Hailey Desjardins. Set-Assistent: Todd Knopke. Stylistin: Sidney Munch

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